2010年2月9日星期二

快弓技巧

  张新

快弓是指以每分钟120拍以上的速度,用分弓演奏十六分音符的一种弓法。快弓是一项 高难度的弓法,它需要演奏者两手高度的密切配合,做到音位准确、时值均匀、发音消晰,极富颗粒性。而且在快速的乐段中,常常包含有快速换弦、快速跳把等高难技巧,这就更增加了快弓的难度。因此,快弓技法的掌握情况常作为一杆标尺,来衔量一名演奏者技术程度的高低。
在以往的许多二胡教科书中,一直认为将长弓的动作加快缩小,就是分弓的动作;分弓动作再加快缩小,就是快弓的演奏动作。但随着二胡技法的发展,对这个观点已有了不同的认识,。长弓的动作加快缩小,就是分弓的动作,我认为是正确的.但快弓的演奏动作,就不是分弓动作的再加快缩小了。让我们来分析一下长弓和快弓的动作枢纽(就是运动的 ),就可以清楚地看出它们之间的差别来。
先说长弓,在拉弓时,随着以肘部为先动点向右拉出,右臂逐渐向外伸展,直至弓尖;在推弓时,以大臂内收为先动点向左推进,小臂和手腕随之而回归、直至弓根。由此可以看出,演奏长弓时,上至大臀部位,下至腕、指部位,都是向同一个方向运动的(即:拉弓时都向右伸展;推弓时都向左回归),它们运动的铀心在肩部。
再说快弓,在拉弓时.手指带动弓子向右运动,而肘部要向左摆动;推弓时,手指带动弓子向左运动,肘部却要向右摆动。由此可以看到,演奏快弓,手和肘是同时向对方的相反方向均匀地摆动的,它们运动的轴心在小臂的中间。举一个生活中类似的例子:家中生炉子时,点着了火,少不了要用扇子扇风以助燃,这个对着炉门掸扇子的动作恰洽就是二胡演奏快弓时手臂的动作。
从上述我们可以看出,长弓运弓宽阔,所以其动作的要放在肩部,加快缩小后变成分弓,因为速度并不太快,其动作的仍可放在肩部。但如果再继续加速变成快弓,那么动作就会显得十分笨拙和僵硬了,而且在速度上也会受到一定的制约,弓子还不能保证平直运行。因此,演奏快弓时必须把动作的移到小臂的中间.以大臂带动肘部,通过小臂中部的轴心作用,使手与肘成为平衡的两端均匀地摆动,从而带动弓子快速地左右运动。这样,快弓的动作才能变得轻松而自然。
如果将我们的右手变作一条鱼的头,肘部变作鱼尾的话,那么把快弓动作形容成摇头摆尾是再恰当不过的了。将这个动作再加快缩小,就是颤弓的演奏动作。既然这个动作能达到颤弓的速度,可见满足快弓的速度要求是绰绰有余的。这是长弓与快弓动作的主要区别。
长弓与快弓还有一个较大的区别是运弓的先动点不同。演奏长弓在拉弓时,是以腕部由先动点向右拉出的;在推弓时,是以大臂为先动点向左推进的。而在演奏快鄙人拉推弓习作都是首先由大臂带动肘部摆动,再通过右臂一系列的运动机制来完成。从这个意义上邦说,快弓动作才真正是大臂带小臂的动作。手腕在其中只是起到一个力量的调节作用,使快弓的动作不致于僵硬,而没有无动点的作用。 快弓的贴弦度比起长弓和分弓来要大得多,这个贴弦度是需要始终保持的。就是说在运弓时,弓毛也要紧贴琴弦,每一弓都要有的一声音头。这样的奏法如果放慢来演奏,声音会很噪,不好听,但加快演奏,其发音就会显得清晰、饱满。如果在换弓时贴弦度不能保持,每个音就会失去音头,奏成枣核形,那么快弓的发音就会含混不清。
运弓的平直仍然是演奏快弓的基本要求。符合规范的快弓演奏,其弓头的调节螺丝呈一横向的直线运动;不符合规范的快弓演奏,其弓头的调节螺丝呈圆圈状、或上下斜向的运动。所以演奏者可根据这一点来判断快弓演奏是否规范。
练习快弓可以分以下几个步骤来进行:
第一步,先练习弓子用较大的贴弦度演奏保持音,可在空弦上练。方法是:将弓子的擦弦点放在中弓部位,右臂微微左旋以加大对弦的压力,突然起弓,奏出音头,弓子拉出十厘米左右骤然停住,但贴弦的压力要始终保持。再突然推弓,仍然要奏出音头、弓子推回原位后骤然停住,贴弦的压力仍需始终保持。如此反复练习,直至熟练掌握为止。
在进行这项练习时要特别注意的是:①弓毛贴弦要紧;②运弓速度要快;③弓毛对弦的压力要自始至终保持而不可松开,弓子骤然停住时亦然;④运副才要感觉有较大的摩擦力.弓毛不可滑过琴弦;⑤发音要头尾一致,奏出刀切般的效果,而不可是枣核状的音。   
第二步,右手不持弓,空手练习扇扇子的动作。练习时要有意识地将运动的放在小臂中间,使肘与手成为平衡的两端均匀地左右摆动。反复练习直至动作正确、自然为止。
第三步.右手持弓做空弦快弓练习。动作要求做到与空手扇扇子的动作一样正确、自然、纯熟,发音要求做到音质饱满、清晰,十六分音符时值准确;然后再练习每八个音或每四个音加一个重音,直至熟练掌握为止。
第四步,练习两手的配合.选择一个简单的音型。如:56 71 21 76。快弓虽然属于右手技巧,但要将它演奏得清晰而富有颗粒性,是离不开左手的密切配合的。因此,两手配合是快弓训练的一项重要内容。
在快弓演奏中,右手是主动因素,节奏的快慢、句首的音头、强弱的变化等等,都由右手来掌握和控制。演奏时必须做到:①十六分音符的时值非常准确、均匀;②每个音的音头要清晰、果断;③强弱变化或快速换弦等都不能影响速度的稳定。左手是被动因素,对它的要求就是要使按指准确地和右手每个音的音头对在一起,不论音符多么复杂,或是换把、跳把多么困难,都不允许动作滞后,而与弓子的音头错开。 演奏者在奏快弓方面容易出现的偏差主要有以下几点:

  1.右臂动作的位置不正确.通常是没有象在小臂中间部位一样放在肩部、将快弓动作变成右臂的——运动。

2.弓子不能保持——运行,表现在演奏快弓时弓头的调节螺丝呈斜线状或围圆状运动。

3.贴弦度偏低,把快弓的每个音都奏成了枣核状,这就便快弓的发音含混不清、 缺乏颗粒性。

4.拉推弓发音不均衡,将快弓奏成似瘸腿式的效果。快弓拉推弓发音不均衡与长弓和分弓的情况不同,主要原因是小臂和弓子的角度不恰当所造成的。如果演奏快弓时大臂过于内收.用弓部位又过于偏左,这时小臂和弓子就形成了一个锐角,这样拉推弓的贴弦度就会有差异,发音也就不均衡了。解决的方法是:将大臂微微外展、用弓部位保持在中弓略偏左的位置上,使小臂与弓子形成一个直角、这样拉推弓的贴弦度就能保持一致,发音自然就均衡了。

5.两手配合不好,常常是左手动作滞后,尤其在运用快速换把或交替指等左手高难技巧时,更是容易偏慢而与右手对不上,这也是快弓拉不清楚的一个重要原因,为了保证按指的与弓子发音的对齐,左手的动作就需要有一定的提前量。也就是说,当前一个音发出以后、左手就要准备下一个音的按指动作。尤其在决速换把时,手腕和虎口早在换把音发出以前,就已经开始动作了。还有一点、就是在快弓演奏中,左手不能带有滑音,音与音之间都要呈点状,不能呈线状。这样,才能提高快弓的弹性和清晰度。


            练快弓三字经

        练之初,性别急,慢动作,快收益,手持琴,指近弦,
        鹰爪指,按弦实,保留指,需知用,右手指,后持弓,
        小幅度,缓慢弓,先换把,后推拉,不换弦,毛紧贴,
        换弦时,臂指腕,主被动,结合用,障碍处,降速度,
        加幅度,大强度,按小节,分音群,强音重,弱音轻,
        速幅度,有区分,右手腕,紧紧松,松松紧,紧松紧,
        松紧松。

临场演奏中的心理因素

张新


    公开演奏中是否具备良好的临场心理是决定表演者能否正常发挥技艺的重要因素之一。一个演奏者的最大心愿,莫过于在整个表演过程中能始终保持最佳状态, 奏出最美好的音乐, 发挥最佳水平。因畏惧而产生的过于紧张或因对情绪失控而产生大幅度波动是临场最容易出现的问题。西班牙著名的大提琴演奏家卡萨斯常说:想到要举行公开的演奏会,我总是像做恶梦。 钢琴家巴考尔曾谈及她上台时的心情:上舞台之前,我紧张得要命,就好像要上刑场赴死。我很清楚,如果我胆怯,那肯定会弹得一团糟,但当我在钢琴前一落座,精神便高度集中起来,琴声一响,我更是全神贯注于我的演奏之中。大厅里无论有什么动静,我都充耳不闻,视而不见,心中只有我的音乐。①俗话说:台上一分钟,台下十年功。演奏者要在舞台上胸有成竹地表现音乐,除了平时的苦练之外,演奏过程中良好心理状态也起了很大的作用。
  笔者在教学时,常常会有很多同学说,本来背得很熟的,但一走到台上,突然什么都想不起来了,连第一个音都找不着,脑子里一片空白。还有的同学说,在琴房里弹得挺熟练的,结果一上台就不会弹了。而且在演奏中不能出错,一弹错马上就想不起后面的音了等等。这说明了在临场演奏中几乎都存在着不同程度的心理紧张。心理学认为:因各种原因造成的情绪紧张致使原来已形成的熟悉动作、记忆的材料不能重新回忆、再现或再做。在演奏中,这就是怯场。②怯场的生理机制是因为内心的紧张使大脑皮层出现了优势兴奋中心,从而抑制及阻碍了皮层上以往形成的暂时联系的再次接通,使得记忆的提取产生障碍。在生理上表现出心跳加速、手心出汗,个别的还会有小便感;在心理上表现出大脑出现短时间空白,坐在钢琴边却想不起所弹的曲目等。即使在弹奏的过程中,脑海里想象的不是音符而是千万不要弹错,赶紧弹完了事等。严重的心理紧张甚至会导致整个演奏以失败告终。
  为什么会出现台上台下两种巨大的反差呢?产生怯场心理的原因主要有三个:第一,平时练习不够,没有形成正确熟练的动力定性。在练习中,由于学生主观意识的作用,没有把反复练习和记忆放在首位,努力程度不够,导致在演奏前一直保持神经的高度紧张,产生了严重的怯场心理。演奏的结果可想而知。第二,环境改变,致使认识中断。心理学认为,人可以分为两类:一类是以本人的储存信息为参照体系的场独立型;另一类是以认识对象所处的客观场合为参照体系的场依存型。场独立型习惯以自己为中心,重视内心感受,在练习和演奏中不会受到外界的干扰。场依存型在练习中总会有意无意地记住周围的环境事物,如上课的环境、布局、教师的授课方式及整个学习过程中环境特征的变化等。当演奏环境改变时,首先产生心理和情绪上的不适应。之后又容易把注意力转向周围听众,怀疑他们是否在议论自己的演奏或者在注意自己是否弹错音等。这些想法一旦产生便会分散注意力,造成紧张。第三,练习中消极情绪记忆的干扰。耶尔克斯——多德森定律表明,为了获得理想的竞技状态,较高的激动水平对于比较简单的任务最为适宜,但是当任务相当复杂时,较低的激动水平则更为适宜,至于一般操作,则只要有中等激动水平就可以了。③ 而一些学生总喜欢练习一些与本身水平不相符的高难度乐曲,由于程度被拔高, 技术不过硬, 加之求胜心切想争第一,致使心情过于激动,演奏时心里没底,心理负担加重。一般学生在面对难度较大的乐曲时,由于存在技术负担,容易产生焦虑和烦躁的情绪,这种情绪会随着正常的学习内容一同进入记忆网络里隐藏起来,而焦虑状态下的反复练习又会将有害的紧张情感与音乐记忆联系起来。在演奏中遇到相似的情形或弹到相同的段落,这种紧张情绪常常导致怯场。此外,钢琴演奏是一项全身性的协调运动,身体健康状况无疑会影响演奏技能的发挥和心理的变化,如身体的疾病或过度劳累等都会直接破坏演奏者技巧的正常发挥, 造成不同程度的紧张,使人产生怯场心理。
在教学中,教师应采用各种办法来帮助学生消除由于怯场而带来的紧张情绪,使学生能顺利完成演出和考试。如何缓解紧张呢?主要包括两方面:临场前的准备和前期准备。临场前的准备包括有三点:第一,要分析学生演奏前的怯场心理,教师应用言语去鼓励学生,让学生放下思想包袱,及早进入演奏状态,增强学生信心。第二,让学生在演奏前学会对自己进行积极的心理暗示和自我调节,并用主观意念来排除干扰。不要觉得自己是孤立无助的,认为所有的老师和听众都是来挑刺的,应该想他们是作为听众来欣赏音乐的,而音乐是要靠自己来传递给他们,心理上要对自己将进行的演奏产生自豪感。在台上演奏时要全神贯注,把紧张的兴奋中心转移到音乐体验中去。第三,如果在演奏中出现弹错或突然忘谱的情况,不能恐慌,要迅速调整心态,当什么都没发生或者找一个乐段继续弹下去。前期准备则是一个长时期的过程,主要有几点:第一,让学生在练习中克服技术难关。当学生的技术已达到自动化的水平,肌肉运动已变成了一种自然操作的情形时,演奏者的思想负担减少了,心理才会放松,大脑的意识才会转移到音乐中去。第二,在练习中运用多种背谱方式巩固记忆。教师应指导学生在练习时,有意识地把视觉记忆、听觉记忆、运动记忆、情绪记忆、概念记忆等多种记忆形式结合起来训练,最终形成综合记忆,这样才不容易在演奏中出差错。第三,参加实践演出,积累经验。学生在演出和考试时产生怯场心理的另一个原因就是实战经验太少。学生只有历经过各种大小不一、气氛不同的演出后才可能积累经验并形成较好的应变能力。因此,教师应多组织一些模拟考试或演出,给学生提供亮相的场合,这样才能增强学生的心理素质,使学生在以后的演奏中减少心理负担,顺利完成演奏。


试论二胡的揉弦

 张新

二胡的揉弦从其重要性方面来说,基于以下几点:(1)揉弦的应用使不同的演奏者具有不同的特征,它就象每个人的嗓音具有不同的频率一样,可以不见其人,只闻其声,便知是某人在奏琴;(2)揉弦以多样方法而表现出多种内容和风格的乐曲,因而不同的乐曲就有了不同的揉弦;(3)揉弦对左手来说,是一种很重要的技巧,它能产生巨大的艺术效果,并对演奏音色起决定性的作用。
  那么,揉弦的具体内容如何呢?有些书称颤指为揉弦。他的理由是用手指按在琴弦上颤动,这样便能得到声音起伏(高低)的效果。持续地用这种方法演奏,可以奏出与人声相仿的声音,认为其声音效果就是轻微颤动。然而对这一颤动的范围并没有作出明确的说明,这样便会与装饰音的颤音而相混。
  二胡的揉弦应该是这样一种技巧,除空弦以外,手指按在弦的某音上,以这一点作为固定点,如不动,所发出的音,我们称之为基音,然后大臂带动小臂,小臂再带动手腕,手腕又带动指关节作屈伸动作。这样一方面改变了弦的张力,另一方面也改变了弦的长短,它造成了一种忽高忽低的波动音。假设用第一指按在c2音上,那么,揉弦时向下揉不超过#c2,向下不低于b1,从律学的平均律角度来分析就是上下揉都不低于100音分。在二胡的揉弦上,由于没有指板,因此可以说采用任何一种揉弦(滑揉除外)都必然会改变其弦的张力,然而在小提琴上揉弦是不具备这一点的。因此,我们对小提琴的某些揉弦法可以借鉴,但不一定完全相同,二胡在揉弦上具有更广阔的天地。
  在中速、歌唱性、抒情优美的乐曲中通常使用的揉弦是在改变长短的同时也改变弦的张力,这样获得的声音既甜美又饱满。具体方法是手的运动方向朝着40°的方法作屈伸动作,腕关节和小臂呈直线,手腕不往外拱起,大臂自然抬起,虎口不紧夹琴杆,自然放松。由于手握琴杆使指与弦的交角不大于45°(即在35°~45°之间),这样发出的声音是平衡的,那么有人会提出为什么这样就平衡呢?因为根据律学得知,一个音到高半音之问的弦距比到低半音之间的弦距要短,所以要产生等分音必然向上揉比向下揉幅度要大些。恰好我们用指尖按弦时手指与琴杆的角度只约等于40。
  这样在揉弦时手指向上与弦的接触点比向下时要多,这一点也证实了揉弦时的平衡度。为了区别于下列各种揉弦,我们现把它定为基本揉弦。
  与此相反,有些人认为指尖放在弦的某一位置,并且使手指与弦趋于垂直,然后作上、下滚动。认为这样揉弦是改变弦的长短,从而使声音上下波动。这种揉法必然产生如下情况:由于滚动长度相等,往下滚动时(假设基于c2)音高就是c2+60音分,而往上滚动,则音高变为c2-40音分。由于音分增减不同而发出呜嗡不安的颤音。采用基本揉弦法,能使音色圆润、细腻、柔婉,波纹细致均匀。我也试图用了相反的方法,即手指与弦趋于垂直的揉弦,结果达不到预期的目的,所发出的声音飘忽不定。根据揉弦时改变弦的张力和长短的不同,除上述所涉及的基本揉弦外,还有以下几种揉弦法:
  压揉。这种揉弦法与上述所不同之处是以改变弦的张力为主,改变弦的长短为辅。这种揉弦所发出的声音激促、有力,它常用在情绪较激动之处。它可使乐曲富于内在动力。
压弦。这种揉基本上全部是改变弦的张力,从改变弦的长短角度来看它几乎为O。此方法是以手腕的屈伸动作为主,从而加强手指对弦的压力,手指与弦的角度大于45°,按弦的基点应低于所要的音,以便在压弦时使音波趋于平衡。这种揉法在民间的乐曲中用途更为广泛。
  此外,这种揉弦也可用在热情向上,欢欣鼓舞的音乐片断中。
  与此相对立的一种揉弦——滑弦。它只改变弦的长短,不改变弦的张力。此方法是在基本的揉法上,使虎口更加松驰,大臂自然抬起呈大半圆弧,然后在上臂和手腕的带动下,手指在弦上有规律地上下滑动。滑弦时手指要稍浮一些,与此同时要控制住手指的屈伸动作,手腕几乎不动。这种揉弦在坠胡上是习以为常的,它主要用在河北、河南等地方风格的乐曲中。
  迟到揉弦。这是从揉弦与不揉弦相结合的角度来论述的,它常用在较慢乐曲的长音上。具体的做法是演奏一个长音时先不揉后揉弦,迟到揉弦的应用,对表达乐曲的哀诉、悲愤之情起了积极作用。
  先揉弦。它是先揉后不揉,与迟到揉弦相反。在《三门峡畅想曲》引子部分的长音便可用先揉弦,它能体现出余音不绝的情境。
  快揉。指的是揉弦的动作应加快,力度加强、幅度加大,它能表现出激动、兴奋之情。
  慢揉。指的是揉弦动作应缓慢、自如,它能表现出平稳、凄切缠绵、冷淡哀怨的情绪,如《二泉映月》的开头(阿炳曲)。   
以上所述只是一些基本的揉弦方法,而实际在乐曲中,这些揉弦是灵活多变的,有时可能用到这些揉弦的全部方法,也可能只用其中几种,事物是千变万化的,没有一种是固定不变的东西。因此,我们的揉弦也应为丰富多彩的内容服务。一首乐曲如自始自终只用一种揉弦,必然使乐曲平淡乏味。各种不同的揉弦,也只是相对而言,如果我们能把它们有机地结合起来使用,其艺术价值将会更高。

二胡演奏中的主要技术障碍及解决

张新


     在二胡演奏中,左右手的各种技巧及其组合是以稳定的动力定型为基础来完成的。在平日的练习中由于诸多的因素难免会遇到一些困难,出现一些技术障碍。其中因为急于求成思想导致的不讲究慢练分解练习等科学的练习方法是造成诸多问题的主要原因。现将一些常见的技术障碍归纳分述如下:

                1、音准控制不好
               
    这个问题在《二胡教学随笔》的第三篇中,我已经就许多方面做了较为详细的阐述,这里再做一些补充。由于二胡既无指板又无固定的按音品位,因此按音的准确性历来是演奏者们最重视的。一般人习惯地认为音不准多半是由于左手的按音位置以及换把的动作无把握造成的。其实,造成音不准的原因首先是听觉的迟钝和在演奏中缺乏准确的音高预示感(即在按音之前内心听觉中就有了这个音的准确高度)。一个听觉敏锐的演奏者,当听到在自己的演奏中有不准的音时,就自然会产生不舒服甚至于有受到刺激的感觉,于是便下意识地调整左指的按音位置,直到这个音准了为止,这充分说明了听觉对于控制音准的重要性。为此,在训练音准控制过程中,教师应首先注意学生听音和辨别音高差异的能力,教会他们掌握音高的预示感,然后再教给他们准确按音和换把的方法。在练习音准控制的过程中,演奏者一定要自始至终高度地集中听觉注意力,否则将很难掌握好控制音准的规律。其实,演奏中音准的控制过程就是演奏者通过听觉的校正,将准确的按音和换把的位置经过无数次反复练习之后逐渐形成正确运动链(《运动力学》语)的过程。一些盲人演奏家虽然双目失明,但在演奏中音准却控制得非常好,除了具有敏锐的内心听觉之外,演奏动作的准确无误是他们解决音准问题的关键;有些弹钢琴的盲人对于键盘的位置和每一个键位都了如指掌,在演奏中他们几乎不碰错琴键,就更说明了在演奏中高度地集中注意力和掌握正确运动链的重要性。一些演奏者由于初学时进度太快,还来不及掌握好某些基本的演奏动作就进入了乐曲的练习。于是,在他们演奏时听觉就不能很集中,往往习惯性地用眼睛盯住自己的手指或弓子。这些下意识的视觉动作干扰了他们听觉的控制过程,导致了演奏中的音不准。具体表现在如下几个方面:

                (1)空弦音定不准,内、外弦的音程关系或大、或小于纯五度;
                (2)按音的音程关系不准确。
               
    遇到以上两个问题时,教师要想办法利用有固定音高的乐器(最好是钢琴或电子琴)以练耳的方式帮助学生进行反复的音高对比听辨练习。要使他们学会尽力用听觉去辨别、捕捉并牢记每一个不同音的音高,以及在音的衔接过程中的各种音程关系,以此来训练和调整其听觉的能力、培养敏锐的内心听觉

                (3)在演奏中(相对于空弦音)习惯性地按音偏高或偏低。
               
    这主要是长时间在练琴的过程中听觉不够主动,对音准的要求不严格造成的。遇此问题要通过慢练的方法,在练琴时经常有意识地对照空弦音的音高或借助自然泛音来逐渐地调整听觉的稳定性与校正按得不准的音。最好的方法还是多练习不同调的七声音阶和各调的琶音,这样更容易发现和校正不准的音。

                (4)半音关系不严格
               
    这个问题初期主要表现有首调唱名的自然半音关系中,一般三、四级和七、八级音的半音音程都容易比较宽,其原因主要是演奏者很少或没有经过七声音阶的训练。遇此问题时,教师要多给学生布置七声音阶的练习,并教会他们控制自然大调中三、四级和七、八音之间的半音音准,使之在听觉上逐渐习惯于接受严格的半音关系的音响,为适应复杂乐曲中频繁出现的半音和变化音做好听觉方面的准备。
               
    总而言之,解决音准问题的关键是认真训练演奏者的内心听觉音高预示感和在练习的过程中形成正确的运动链,以培养演奏者在控制音准时的责任感和把握性。这需要一定的时间过程,也取决于演奏者对于音准问题的重视程度。听觉越敏锐,技术越熟练,纠正按音不准的过程就越短。当在演奏中一听到不准的音就不舒服并马上去纠正时,音准的问题就接近解决了。

                2、节奏不稳定
               
    从根本上说,节奏不稳定的主要原因是节奏的感觉不敏锐、节奏律动的感觉不稳定和节拍的意识不明确。在演奏中主要表现为以下三点:(1)奏快板(快弓)时赶拍子;(2)长音时值不够,切分音及连弓中附点后面的音符拍子不充分;(3)节奏忽快忽慢。
               
    奏快板(快弓)时赶拍子这个问题在二胡演奏中较为普遍,主要表现在乐曲的快板中和奏连续快弓时越拉越快(比如在《病中吟》快速的中段和《葡萄熟了》的快弓段落中)。其原因除了节奏感觉方面的因素外,换把的动作不到位、快弓方法掌握的不得当和演奏中两手配合不够默契等都会造成这些现象。解决的办法除了耐心地调整快弓和换把的方法之外,还要采取慢练的方式将所奏的旋律分段、分句地练习,其中节拍变化多的音符和换弦频繁的旋律尤其要重点练习。待技术方面有把握之后,心理状态就会更加松弛和自信,这有助于稳定演奏中的节奏感觉。
               
    长音时值不够,切分音及连弓中附点后面的音符拍子不充分的问题经常造成拍子不稳定和越拉越快、赶拍子等现象(比如在《红梅随想曲》的bB调快板和《听松》第二部分慢起渐快的快板中),直接影响演奏的效果。形成的原因主要是内心缺乏明确和稳定的节奏律动感与严格的节拍意识,以至于在演奏中长音的拍子往往不充分、切分音的时值也不够,在连弓中附点后面的音符也总是奏得匆匆忙忙。遇到这些情况时,首先应该仔细分析不同音符的节拍时值,耐心地用打拍子唱谱子等方法来调整节奏的律动和节拍变化的感觉。此外,演奏中合理的弓子分配与左指按音时的准确感觉也是保障节奏稳定的重要因素。
               
    节奏忽快忽慢的现象主要是由于演奏者内心节奏的感觉不稳定,技术上没有把握造成的。一些学生为了要拔进度而一味地拉大曲子,结果由于技术负担过重、力不从心而导致演奏中容易的地方越拉越快,没有把握的地方就不得不慢下来。有的还养成了用脚打拍子的坏习惯,结果越打拍子心越慌,使演奏陷入了手忙脚乱的狼狈境地,节奏反而更加的不稳定。遇此情况首先应该养成良好的、循序渐进的学习方法和习惯,在掌握好各种演奏技巧的前提下注意培养敏锐而稳定的内心节奏感。以稳定的心理感觉、自然协调的演奏技巧和鲜明的节奏变化进行演奏。

    3、换把动作不协调
               
    一些演奏者在拉琴时换把的动作往往显得机械僵硬和疲软懈怠,这些不协调的动作所产生的后果是按音位置不稳定、音准无把握以及音乐的表情不到位,形成的原因主要是对换把动作的原理不甚明确。有的演奏者换把时以手和手指的动作为主导,结果导致动作笨拙和僵硬,影响了音乐旋律的自然衔接和按音时音准的稳定;还有的演奏者在换把时以手腕的上下凹凸动作为主,不但动作显得机械疲软,而且音的衔接由于过分的粘滞而不连贯,同时在快板旋律中也明显的影响了动作的速度。正确的换把方法应该是以小臂为动作的主导部位、手和手指协同动作,最终以运动链式的过渡完成细致的动作过程,使音乐的旋律得已顺利的衔接。在实际应用的过程中,二胡的换把技巧在演奏中可以分为技术性表情性两种。技术性的换把适用于较快的音乐旋律,要求动作的过程干净利落、不带或少带滑音。表情性的换把类似的演奏技巧,分为首滑指尾滑指两种,都是用分弓以同一手指在较慢的抒情性旋律中滑动演奏。首滑指换把的奏法是将运弓和换把动作同时进行,其效果类似在旋律音的前面加上了装饰滑音;尾滑指换把要求在换弓前就完成换把动作,是类似在换把前的音后面加上了装饰滑音的效果。综上所述,在演奏中除了应该解决一般的换把问题之外,演奏者还要认真地学习、研究和掌握滑指等其它的换把方式,为更顺畅的演奏和更丰富的音乐表现而努力。

            4、换弦技巧不自如
               
    换弦技巧是在演奏中连接音乐旋律的重要弓法手段,它在乐谱中没有任何标记,演奏者只需按照指法按音即可完成。二胡的换弦技巧在连弓和分弓中均可使用,不过在快板旋律中大都使用分弓来演奏。奏分弓的换弦时依右手的运弓动作大致可以分为手指主动小臂主动指腕结合几种,有时在演奏前、后十六分音符的旋律中也结合大臂(即上臂)的动作。由于动作的速度较快,如果在换弦的过程中方式不当就会引起演奏动作的紧张或僵持。有的甚至由于心理的紧张而更用力地做换弦的动作,结果使音的衔接在瞬音中断或令旋律的进行混乱不清。其实,只有在乐曲的旋律要求热烈的情绪时(如《红梅随想曲》bB调快板中的连续双弓换弦乐句),大臂(上臂)的结合才是换弦技巧中所需要的。除了对力度有特殊需要的音乐旋律之外,一般的换弦动作并不需要多大的力度。有时倒是力量小一些右手可以更放松,换弦的感觉也会更敏锐、更轻巧。此外,除了换弦方式运用的不得当之外,缺乏慢练有时也会成为演奏中技巧运用不自如的原因。一些演奏者在刚刚学会了某种技巧之后就浅尝辄止,不肯再踏踏踏实实地通过慢练来巩固,结果造成演奏中一些技巧衔接过程的脱节,影响了正常的音乐表现。为此,在练习的过程中不但要将换弦技巧对号入座,而且要用慢练的方法将不同的换弦动作的方式加以巩固。只有重视了每一个技术环节才能做到万无一失,在演奏中获得理想的效果。

            5、拉快弓紧张
               
    这个总是是初学二胡的人普遍存在和经常遇到的,它不但直接影响演奏的质量,而且很容易造成演奏者巨大的心理压力和生理方面的障碍。有些演奏者或音乐院校的学生由于急于求成思想的驱动,练琴时往往表现得心理浮燥,出现毛草、不求甚解和缺乏耐心等现象。他们一遇到演出、比赛甚至是考试等场合就容易紧张,经常在演奏中打折扣,有时甚至由于快弓方法的不得当引起了演奏中的杂乱无章,从而破坏了整个的演奏。形成的原因主要是快弓方法不得当、演奏时弓子分配的不自然和由此引起的左指按音感觉受到牵制,其后果导致演奏中两手配合不协调。当出现了上述现象时,应首先检查演奏的方法是否正确和松弛,弓子的分配是否合理自然。虽然在实际演奏中每个人的方法不尽相同,但松弛、自然等符合生理规律的演奏方式应该是大家都认同的。我认为,奏快弓时右手的手指应该自然地握住(而不是捏紧)弓杆,结合小臂靠近手腕的部位共同动作,其状态与用较快的速度敲锣时的感觉相似。运弓力度和弓子的分配(运弓部位和运弓范围)一般应根据乐曲旋律的情绪而定,表现轻快的力度也要小一些;表现热烈奔放的情绪时,握弓和擦弦的力度都要适当加大、运弓的部位要靠近中弓,握弓的感觉也要更加稳定坚实。如遇到有频繁换把的快速旋律时,应先以左手的把握性为依据较慢的速度开始练习,待两手配合默契后再逐渐以正常的速度来演奏。有的人演奏连续的快弓比较顺手,但在遇到旋律音符出现频繁的节拍变化和需要连续换弦演奏时就显得不那么顺畅和有把握,甚至有的由于方法不当而引起心里紧张和演奏中的手忙脚乱。遇此情况应该首先解决换弦方法和节奏感觉等方面的问题,而后再调整快弓的方法。同时,平日多做有针对性的练习,对更好地掌握和运用快弓技巧是非常有益的。

运弓技巧

张新

二胡是我国最具代表性的民族乐器之一,因其音域宽广、音色柔美、极富表现力和民族特色等独特的艺术魅力而广受青睐。近年来,随着二胡教学理论和实践的不断发展,演奏技法也日趋丰富和多样。但万变不离其宗,所谓“三分指法,七分弓力”,“运弓”始终是二胡演练过程中最核心的技术环节,也是衡量二胡演奏水平功力的关键。如何发挥右臂和右手的潜能,以弓子为载体,注入恰到好处的力量,善于变换运弓的速度和力度,把握好音准,控制好音色,是二胡初学者最大的难点,也是教学研究中的热点。笔者根据十年来教学实践中积累的几点粗浅体会,作一简述,以供参酌。
一、在正确持弓的基础上,放松而又流畅地传递力量。

二胡的发音原理是通过右手操纵弓子,使弓毛在二胡内、外琴弦上摩擦产生震动,再由琴码传递给琴筒后发出声音。正确持弓是熟练运弓的基础,对初学者而言尤为关键。须将弓子放平,大拇指与食指根部成一夹角,托住弓子根部。中指与无名指自然弯曲,置于弓杆和弓毛之间,指肚轻勾弓毛,中指上部关节外侧轻轻顶住弓杆。运弓的基本要领是以肩关节为轴,大臂带动小臂,将力传至手腕,由手腕先行,带动弓子作水平运动。拉外弦时,手腕要自然下垂,使弓杆下落,贴在琴筒上,弓毛自然地压在外弦上;拉内弦时,手腕略向上抬,使弓杆高于琴筒,与琴弦成一个斜角,使弓子的自然重力加在内弦上。内弦运弓,中指和无名指勾弓毛的力度要均匀一致,防止忽大忽小。

根据音乐节奏和表现的需要,运弓有快慢之分。快弓恰似行云流水、万马奔腾;慢弓则如微风拂面、春燕呢喃。快弓讲究疾而不躁、重而不钝;慢弓则需舒徐有致,切忌僵滞。快慢之分究其根本,实质是与运弓的力度和速度成正比的。强奏时应加重压力、加快弓速;弱奏时则须减轻琴弦压力、放慢弓速。但无论运弓快慢,有一点是完全共通的,即必须做到放松而又流畅地传递力量。这是达到正确运弓的基本前提,道理看似简单,实际操作不易。很多初学者在初期对此未没能真正领会和把握,走了不少弯路。具体表现为右手握弓紧张,仅仅将力量锁在握弓点上,忽视了力量的流畅传递,造成手指、手臂,以至身体的紧张和僵硬。看似右臂用了很大的劲,可运弓的力量根本没有通畅地传递给琴弦,琴弦无法充分震动起来,就更谈不上琴筒有好的发音了。笔者有位学生在开始学琴的一年中,右手一直很紧张,用了很大的力气却拉不出透彻而松驰的声音。直到弓子拉变了形,几乎真成了射剑的弓,才逐渐有所感悟,不再将力量局限于弓子本身,而注重右手的放松,讲究运弓过程中力量的和谐传递。理论和实践都表明,好的音色是建立在正确持弓并能准确驾驭力量传递的基础之上的,初学者尤其应该强化这一概念,加以悉心揣摸和反复演练。
二、根据弓法需要,合理调配好弓段、弓序。

要实现正确运弓并能淋漓尽致地表现乐曲,还应学会善谋大局,统筹安排,巧用弓子,合理地调配好弓段和弓序。所谓弓段,是将整个弓子从左到右依次分为弓尖,左半弓,中弓,右半弓和弓根等五个部分。不同弓段具有不同的音响特质,一般而言,弓尖奏音圆润轻巧,左半弓易奏密集快弓,右半弓较利发挥顿挫有力的快弓,中弓两者兼顾,弓根发音有力,但易失灵活。所谓弓序,则指运弓的顺序,实质是弓向,弓段,拉弓,推弓,连弓,分弓在实际运用中的合理搭配。弓序的切换要求干脆、利索而不生涩,不能蜻蜓点水,也不能拖泥带水,力求做到换弓自然,发音连贯,音色饱满,音准精确。了解并掌握好这些基本概念和要求,有利于在运弓过程中,提高对弓子的整体驾驭能力和局部的协调把握能力。

行文作画有谋篇布局的考虑,行弓运弓同样需要总揽全局、统筹安排。因此,弓段和弓序的合理运用是非常关健的。譬如对于初学者来说最伤脑筋的一个问题,就是经常会碰见连弓号,也就是一弓奏若干个音。如刘天华先生《良宵》中61653523,一弓八个音,其《月夜》中3532123525321161一弓十六连音,闵惠芬老师《长弓揉弦练习》中引子部分的23126156352312一弓十四连音等等,很多初学者一看就瞠目结舌,心中无底数,手上没把握。总嫌弓子太短,觉的弓子不够用,往往是音还没全拉完,弓子就已全用完了。弓子到了弓根或弓尖,势已成强弩之末,最后几个音不是了无声息,就是急促枯涩。归根结底,就是因为在弓段调配上出了问题。以《长弓揉弦练习》23126156352312为例,这一弓拉十四个音和通常的一弓拉一、两个音,弓速、力度及所使用的弓段是绝对不一样的。在拉乐曲前,不妨哼唱几遍旋律,对整体有一个初步的通盘了解,掌握基本的节奏律动。这十四连音节奏由松到紧,但从听觉上来说,每个音几乎是平均出现的,这就要求这十四连音中每个音所用的弓子几乎是等长的。一弓安排十四个音,从发出的第一个音开始,右手就应控制好速度,运弓切忌太快,弓子要节省着使用,尽量做到平均,弓子的每一寸都要充分使用。力度上,在这十四个音中,应该有个小小的起伏,一般说来弓速和力度是成正比的。也就是弓速越快,力度越强,弓速越慢,力度相对越弱。这十四连音中部,有一个小的渐强,可通过弓速稍稍加快而达到这个强点,当然这些变化在运弓过程中是通过瞬间来完成的。初学者练习时,在清楚地拉出这十四个音的同时,更应注意中间的小起伏,适当加一点速度和力度,这不仅有利于缓解右手持续的紧张感,同时可在保证乐音平均、清晰的基础上,有效地表现出强弱起伏、张驰有序的音响效果。

当然,要想完美地演奏乐曲,在右手熟练而洒脱地驾驭弓子的同时,还应与左手灵活精准的指法进行有机配合。因此在平时进行快速的分弓练习时,要特别注意右手的换弦与左手的换音保持协调统一,左右手的同步配合应有条不紊,相得益彰。对于尚未入门的初学者,在练习乐曲的初始,应大致先了解一下作品的运弓特点和顺序,感受一下从身体和动作上的自然与协调。甚至可先将二胡放在一边,口中哼唱旋律,左右手按正确的指法、弓法进行比划练习,徒手把弓段、弓序与指法调配得当后再操琴练习,这种先易后难、循序渐进的科学训练方式,往往能取得事半功倍的良好效果。
三、克服急躁心理,养成注重细节的良好习惯。

艺术在于传神,技术贵在巧妙,而巧妙则源于细节。运弓的技术要求是“弓路平直沉稳,行弓均匀流畅”。弓路平直,即弓毛在琴筒上运行成一条直线,最佳的行弓路线就是一条平行于身体的直线,因此有为之士常说“会拉的一条线,不会拉的一大片”。而要真正达到“平直沉稳”、“均匀流畅”的境界,第一要务就是操琴时应保持一个良好的心态,一个稳定的情绪。如果内心急躁,心浮气短,极易导致右手运弓有失控制,出现节奏不稳,音准欠缺,音色呆板等问题。因此,运弓时只有做到气定神闲、胸有成竹,才能得之于心,应之以手,达到人琴一体,物我两忘的最高境界。除此之外,二胡演奏功力的高下,还重在运弓的细节。这就要求必须认真地去体味乐曲当中的每一小节、每一句、每一拍,包括每一个装饰音的音符。要充分的利用弓子,将每一个音表达清楚,每一个音的时值表达充分。充分利用弓子的含义包括:运弓时不走弯路,运弓时的力量不浪费。由此可见,力戒急躁,注重细节,关注每一个音,拉好每一个音,这是二胡运弓学习过程中必须养成的良好习惯。尤其在初学一首新曲的时候,更要努力避免因粗心大意发生弓法上的错误。一旦强化了错误的手法,往往需要化更多的时间去纠正,无形中增加了学习的难度。

俗话说:百日笛子,千日箫,小小二胡拉断腰。弓法的训练是一个长期的积累过程,离不开学习者本人的勤学苦练和不懈努力。二胡功力的提高,就是在不断地超越自我的过程中逐步实现的,而且这个过程永无止境,有待我们一起进行持之以恒的探索和实践。

2010年2月1日星期一

中华民乐队2009年工作总结及2010工作规划

中华民乐队在去年一年的工作里取得了令人瞩目的成就,这在昨天的公演中得到了观众的肯定,就象初生婴儿的第一声啼哭,我们这一声响亮地喊了出来,我们的民乐旗帜算真正竖了起来。这是全体演职人员的共同努力的成绩,也是各位艺术家、各协作团体精诚团结合作的硕果。为了保持和提升这一良好势头,发扬成绩,克服不足,我们有必要对过去的工作进行总结和对新的一年工作进行规划,以巩固我们所取得的成果。
前年底,由杨万青,杨家骅,辛雷,彭灼西共同发起成立民乐队,实际正式开始排练是三月初,我们两周一次排练,到去年底算下来次数并不算多,距离一个成熟的乐队所需要的排练量还差很远。但这对我们这支新生团队已经很不简单了,大家每天要上班,下班风尘仆仆赶到排练场,连晚饭都吃不上,一直要练到很晚。但这些困难都被大家的热情和奉献精神所克服,我们的团队从初始的不到十人发展到今天数十人的规模。最可贵的是我们吸引了一批专业艺术家的加盟,这使我们乐队的整体质量得到显著改善。
1,每位乐手的技术不同程度都有了提高,尤其是在声部织体的训练方面,团队合作方面,节奏、乐感、音乐表现力都有不小的收获。使我们也可以演奏象《夜深沉》这样的大型作品,这些与我们建队初始相比,都是不可想象的收获。
2,我们的硬件也获得改善,各位对乐队的无私捐助帮我们添置了贝大提琴,扬琴,打击乐等新乐器。杨万青队长为乐队提供长年使用的排练场地;杨家骅副队长为乐队拉到多笔赞助,帮我们暂时解决了财政窘迫的局面。
3,我们乐手的第二代也加入了演出序列,这不仅是在海外乐坛,即使在国内乐坛,也是少见的创举。杨万青队长家庭,全员投入,女儿担任小提琴声部的领奏。象这种家庭参与的,在我们乐队里还有多位。这种承前启后,代有新人的创举构成了中华民乐队一道靓丽的风景线。
我们的成功经验有三条:
一,正确的音乐观。观念先行,没有一个正确的好观念,我们就会无目的,无方向,我们不知道自己在做什么。作为艺术指导,我始终将此项原则作为乐队建设的头一条。每次排练后给大家的小结;发表在媒体的文章,都是在向大家传输一个正确的音乐观。我们不是消遣来了,我们也不是仅仅满足一下业余爱好来了。我们坐在中华民乐队的排练场上,我们就是肩负重任的音乐人,我们也就有了不可推卸勇于承担的责任和义务。这责任就是弘扬华夏民族文化,推动中国音乐在海外的发展壮大。每位队员都是这一使命的文化大使和光荣实践者。
二,专业精神和严格训练。什么是专业精神,并非说你必须是个专业音乐人才会具有。事实上,一些出身专业的音乐人并不具备这种特质。尤其在美国,人人需要首先解决生存问题。中华民乐队虽然是由多数业余爱好者所组成,但我们正在做的事情并不业余。所以我始终强调“高起点”,“高水准”,“大格局”。我们的起点要高,是比对以前的国乐队或兄弟音乐社团。我们的水准要高,是我们不能满足现状,无论对发烧友还是专业演奏家,时时接受新的挑战,和更新自己的业务水平(包括作品)。我们要与时俱进,与国内音乐界的专业水准看齐。有了前两条,我们才会具备大格局的起码条件。何谓大格局,就是中华民乐队不仅仅是服务于侨社这个小圈子,我们的着眼点是更为广阔的美国主流音乐市场。也正因为此点,我才拼命训练你们、给你们不断加码,才天天恨铁不成钢以致口出粗言伤害你们的自尊。
三,团队精神。首先我们必须认识到,这不是一个人的事业,这是集体的事业,需要靠每个人的努力和成功,而非依靠几位大师级的专业演奏家。在休斯敦多年来,不乏专业的民乐人才,可为什么终难成就大业,究其根本,没有一个目标明确、万众一心的坚强团队。所以说,中华民乐队在我眼里,没有什么专业业余之分,我也不以技术高低看人,只要你敬业努力,认真对待你在乐队承担的角色,你能圆满完成指挥交给的任务,你在我心中就是个我值得敬佩的、合格的音乐人。我们的团队也是个大家庭,大家一律平等,都是兄弟姐妹、叔叔阿姨;有难同当,有福同享。我们取得的成功与荣誉是每个人的,有了这个信念,大家才会拧成一股绳,共同向理想目标奋进。
当然,中华民乐队也存在着许多不足和缺陷。我们要成绩讲够,不足说透。去年的最大不足有两点。
一,多数排练未能做到全员参与,只是到了九月份有演出压力后,才逐步回到全员排练的正常状态。我总在想,如果我们从一开始就象我们最近几次彩排那样,有内容、有秩序、有规模而进行一年的排练,我们乐队今天的成绩更会创造历史新高。
二,大家多年养成的业余习惯比较严重,如在家不碰乐器,排练缺席、迟到,排练秩序混乱等都严重影响了排练效率。
在新的一年里,作为艺术指导,我提议,全年工作围绕全力打造中华民乐队这个品牌
音乐有自己的市场及运作规则,一个知名品牌可以在市场机制中发挥出无穷的威力。我们中华民乐队通过首场公演,已具备了品牌的雏形,换句通俗的话来讲,我们现在是山寨版,将来的目标是央视版;我们现在是井岗山草创期,我们的目标是要杀进中南海去坐坐龙椅。这中间可能要经历爬雪山过草地的艰难历程,我们要实现这一目标,这个经历必不可少。从民乐队成立那天起,我的目光就不在中国人这个小圈子,让中国人买票看音乐会一年充其量一场戏。如果仅是为此,我早就不费这劲了。大家知道神韵艺术团三个分团全球巡回公演,每次来休斯敦连演三场,美国人心甘情愿掏几十块购票观摩。大家想过这是为什么吗?是神韵艺术团里的艺术家闻名艺坛么?说句不客气的话,他们不具备我们休斯敦象吴老师、郦老师这样大师级的艺术家。他们的诀窍是顺应西方主流音乐市场的运作规则,他们懂得品牌的作用,他们长于运用品牌的力量,他们的品牌就是“神韵”二字。如果中华民乐队按照我的设想,在2010年完成品牌打造的的初步计划,我们就可以牛刀小试,锋芒初露,为明年大施拳脚而迈上新台阶。
好品牌是靠高质量来支撑的,所以话题还要收回到我们自身来。按照我们现在的演奏水平,当然还有不小的差距,如何缩小这个差距,需要智慧,也需要一步一个脚印,扎扎实实去实现。吴老师对此提出了两条极宝贵的建议,令我醍醐灌顶,茅塞顿开。吴老师教导我说:1,要让乐队全体成员了解我们的目标,也就是说要把艺术指导胸中的理想变成全体一致的理想。2,改革乐队排练方式,实行专业优化组合。吴老师的第一个建议使我有了写这个工作总结的动机;她的第二个建议就是我准备调整今年乐队排练方式的一个重要依据。
我的计划简而言之,就是大幅调整现有音乐作品结构,选择一些美国听众耳熟能详的音乐佳作,例如西方优秀古典作品片段,爱尔兰民间音乐,美国乡村音乐,流行音乐蓝调爵士等,改编成用民乐的各种组合来演奏;作品改编要向专业化靠拢,乐曲结构会包含一定高技巧高难度,参演参练组合以专业乐手为主,其他队员为辅。排练日程表暂按去年两周一次;但专业组合自己增加一次,等于参加优化组的演员事实上每周一次排练(自己一次;与全体一次)。这样,以一年50周计算,全体合练与专业组合练各达25次,效率会成倍增加,我们就能拿得出更多更精彩的节目来。未来进入美国主流音乐市场时,中外作品要力争达到各占一半。
建议由银锋,萧楫和我成立三人创作小组,正式开始作品选择及改编工作。我给自己三月份回国前安排的任务是,完成京胡协奏曲《万年欢》的配器(全体);二胡《卡门主题幻想曲》(专业组合)的配器(四个乐章的前两章),形式为二胡独奏,组合伴奏是手风琴,大提琴,贝大提琴,巴松管,长笛。
各位,我知道大家都非常辛苦,但目标远大,未有穷期,士气可鼓不可泄,我永远给你们准备更高的目标去攀登。我还是那句老话,我要 100%,你们给我完成 50%,对我们来说,就是破纪录。
大家加油!!!

永远的古典

张新

圣诞将至,受休斯敦 LONESTAR 艺术学院钱护壮教授之邀,我于上周末在学院的音乐厅聆听了由他执棒指挥的清唱剧《弥赛亚》。

钱护壮教授是我所尊敬的一位音乐同仁,多年来他在声乐教学领域辛勤耕耘,硕果甚丰。这也是继前年演出歌剧《茶花女》之后,他于2008年捧出的又一力作。我为他的敬业和执著所折服的同时,更被《弥赛亚》这部古典巨作所震撼。

喜爱西方古典音乐的朋友一定会知道,这部经典声乐作品是出自古典音乐大师亨德尔之手。 乔治·弗里德里克·亨德尔,(George Frederic Handel 1685-1759)与另一位古典巨人巴赫同年出生于1685年的德国,非常巧的是他们出生的时间仅差四周,地点仅相距一百公里。那时谁又能想到,就是这两个德国人,在十八世纪的欧洲乐坛,创造了前所未有的辉煌。他们并列为那个时代最伟大的两位风琴演奏家,同时他们以宗教为主题所创作出的大量经典名作,更被后人誉为巴洛克音乐时代无人能逾越的两座巨峰。如果说巴赫是古典音乐严谨的对位大师,那么亨德尔就是优美旋律与复音音乐大师。亨德尔一生创作了46部歌剧、32部清唱剧和大量的管弦乐作品,他对欧洲乐坛最大的贡献,就是在声乐领域的创作和不断探索出新,《弥赛亚》是他清唱剧(又称神剧)创作的最有代表性的作品。 

清唱剧是不同于当时盛行的意大利歌剧的音乐形式,是由乐队、独唱、合唱紧密结合的大型声乐体裁,内容多取材于《圣经》故事,有情节,但不做舞台表演,完全用音乐来表现戏剧性内容。它同歌剧的另一重要区别在于清唱剧以合唱为中心,合唱曲占统治地位,合唱指引了音乐的戏剧性的发展。曾写过大量歌剧的亨德尔已娴熟地掌握了合唱写作的全部技巧,在清唱剧中能呈现丰富多彩的音响效果,灵活自如地用合唱来表现悲哀、快乐、愤怒和激情;用合唱来表达崇高的思想和情感,用合唱来表现田园风光、自然景色,用合唱勾织圣洁脱俗的神界。他在清唱剧大规模地应用了合唱结构;并在独唱和合唱的交替使用时挥洒自如;使主调音乐和复调音乐的结合在《弥赛亚》达到了一个前所未有的境界,获得了宏伟壮丽的效果。

“弥赛亚”一词源于希伯莱语,意为“受膏者”。古犹太人封立君王、祭祀时,常举行在受封者头上敷膏油的仪式。这里是指耶稣基督降生为王,救赎百姓的意思,后被基督教用于对救世主耶稣的称呼。

1741年8月21日,百无聊赖、心灰意冷的亨德尔收到一个邮包,拆开邮包,是一部清唱剧剧词手稿,此时事业与健康双双跌入低谷的亨德尔根本没有心思为新剧本谱曲,不过他还是随便翻开瞟了一眼:《弥赛亚》。翻开封面,他开始阅读。暮然,剧词的第一句话使他怔住了,“鼓起你的勇气!”亨德尔心头一震,这句话好像是来自苍穹的感召,映入眼帘,深入肺腑,顿时化做千种乐音,汇聚成强烈的音符,撞击着他的心灵。“昂起你的头!”“不要把你的灵魂留在地狱”。当读到赞美诗哈利路亚时,亨德尔确信自己已经获得新的灵感,他觉得有千军万马在胸中奔突,汹涌的心声仿佛掀起滔天的巨浪,化做旋律直透云霄,反复延伸扩展,充满整个世界。亨德尔不敢有片刻的耽搁,立即抓起笔,把这来自上苍的灵感记录下来。一股神奇的力量鞭策着他,催促着他,使他无法停下。

他泪流满面,浸湿谱纸,尤其是写到《哈里路亚》大合唱时,更是匍匐在地,双手向天高喊:“我看到天门开了!”亨德尔完全被从心灵深处涌出的激流裹挟着奔腾而去,他觉得自己有生以来还从未有过如此旺盛的创作欲,也从没有为哪一部作品这样的呕心沥血。他把自己锁在屋子里三个星期,他的身心彻底浸淫于与神的对话、与灵性的交流。谱出了基督的神圣与庄严,谱出了上帝的浩瀚与伟大。当你在聆听《哈里路亚》大合唱时,你一定会相信,如果不是对宗教与人生的深切感悟、洞悉神灵与音乐血脉相连的奥秘,即使技艺纯熟的音乐大师也绝谱不出这不朽的天籁之音。

亨德尔十分喜爱自己的这部《弥赛亚》。他之所以喜爱它,是出自一种感激之情,因为是它把他从自己的绝境中解脱出来,还因为他在这部作品中自己拯救了自己。他每年都要在伦敦亲自指挥演出这部作品,每次都把全部收入捐赠给医院和孤儿院,去医治那些残疾病人和救济那些身陷囹圄的人。人们不禁发问,他如何能在短短几星期之内写成这部他所有作品中最富创造力,并且在合唱的结构和张力方面都最为经典的清唱剧。对此,亨德尔引用圣徒保罗的话答道:“我是在我的躯体之内还是之外,我不知道,上帝知道。”这也许正是潜伏在《弥赛亚》中真正伟大的力量。

  1743年,《弥赛亚》在伦敦上演的時候,英国国王乔治二世亲临剧院。当听到第二部分終曲《哈里路亚》大合唱时,国王按捺不住內心的激动,站立起來听完了全曲。也是从那一刻开始,每一次音乐会演奏到了《哈里路亚》大合唱时,全体观众都会起立聆听,成为一个非常特別的惯例延续至今。那晚,当庄严典雅的《哈里路亚》在钱教授的指挥棒下喷涌而出时,全场观众均肃目而立,感受这来自上苍的黄钟大吕唤起的身心共鸣……

这里还有个很有意思的插曲:英王乔治听后认为《弥赛亚》整个作品太经典太伟大了,并將它称为“天国的国歌”。他下旨每年只许在春天演奏一次,而且只有亨德尔本人才有资格指挥。1751年,亨德尔双目失明,但是他没有改变亲自演奏指挥《弥赛亚》的习惯。1759年4月6日,74岁的大师照例指挥了在柯文特皇家歌剧院举行《弥赛亚》的第56场演出,亨德尔支撑着生命最后的力量,指挥演出并弹奏风琴,当终曲《阿门颂》结束时,在暴风雨般的掌声中,老人倒下了。几天以后,这位乐坛上的巨星陨落了。亨德尔享受了国葬的待遇,英国人把这位祖籍德国的大师当成是本民族最伟大的作曲家。亨德尔的葬礼上,至少有三千人为他送葬,他的墓地在伦敦威斯敏斯特教堂----只有历代的国王和圣贤才有资格在此占据一席之地,在那里有一座亨德尔纪念像耸立至今。

回顾亨德尔的一生,他无愧于乐坛上的常青树和多面手:他一生近60年的音乐生涯中,在德、英、意三国乃至全欧洲都获得了巨大的声誉;亨德尔的清唱剧质朴感人,把高度的艺术性和虔诚的宗教信仰融入了一个个音符之中。他的作品熔德国严谨的对位法、意大利的独唱艺术和英国的合唱传统于一炉,成为世界音乐史上的瑰宝。他同巴赫、维瓦尔第一起,为辉煌的巴洛克时代画上了一个圆满的句号。

清唱剧《弥赛亚》是亨德尔一生中最伟大的作品,反映出早期启蒙运动的人道主义精神,借助圣经中耶稣拯救人类的故事启动人们崇高的精神力量。直到今天,每年的圣诞节世界各地都演唱《弥赛亚》。同样,当 LONESTAR 艺术学院这场音乐会走近尾声时,所有演员依次缓缓走下舞台,秉烛环绕剧场,以浑厚优美的声部吟咏出宁静悠长的《圣诞夜》……观众席上的人们和声与歌,现场气氛感人至深。应该说,这是我近年来所看过的少有的质量上乘的音乐会之一。

清唱剧《弥赛亚》于周五、周六在 LONESTAR 艺术学院演出两场,休斯敦的古典乐迷们在欣赏之余,一定会感激钱教授的倾情奉献,同时也不能忘记那些华人歌手的贡献与参予。近年来活跃于休斯敦声乐舞台的男高音歌唱家王维国,在《弥赛亚》中担任了主要演员之一。另外还有 KueiMei Chen、LiYan Ding、LiMei Han、LiPing Hu、Jun Zhang、AiLing Chu、Juliana Wang、Lie Liu 等在演出中分别担任不同声部的演唱,均有出色的表现。记得前几年钱教授筹备演出歌剧《茶花女》之时,就曾大胆采用了数位华裔歌手参加演出。这点也是我特别赞同他之处。《弥赛亚》其中不少分曲具有很高的技术训练价值和艺术性,至今仍在音乐会和声乐教学中被广泛采用。由此,无论作为对他本人声乐教学的一次检阅,还是提升华裔歌手音乐素质,更多地参与主流音乐活动,这场音乐会都是非常有意义的。

亨德尔生前曾说过:“假如我的音乐只能使人们愉快,那我很遗憾。我的目的是使人能高尚起来。”《弥赛亚》正是这样一部使人高尚的作品。

我们渴求这精神的甘霖;我们更期待下一次更好的。

2010年1月18日星期一

寻找迷失的家园

 

——《大宅门》音乐,休斯顿中华民乐队及其他


         

  看了题目,有人也许会问,《大宅门》音乐与休斯顿中华民乐队有何相关?如果你观看了休斯顿中华民乐队的首场民族音乐会,就会清楚了。
  提起《大宅门》,华人中大概无人不晓。拍摄于本世纪初的40集电视连续剧《大宅门》,以清末民初的中国社会为大背景,娓娓道出一个中医药世家百年兴衰的传奇故事。作为音乐人,我除了被那气势恢弘、荡气回肠的剧情所打动外,更将目光聚焦于其同样引人入胜的的音乐。当人们津津乐道于影视大腕斯琴高娃,陈宝国,李雪健,张丰毅,蒋雯丽的精湛表演时,大概很少有人会留意此剧的作曲者,享有“乐坛神笔”之誉的赵季平先生。
  1985年,在省文艺理论研究室分工音乐理论及音乐美学研究的我,接受省电视台文艺专栏的访谈,就当时一批新锐导演,也就是后来被称为"第五代导演"群体的电影进行评论。我记得当时给我印象最深的是陈凯歌执导、张艺谋摄影、赵季平作曲的电影《黄土地》。此片获得包括夏威夷国际电影节最佳影片等三个国际电影节大奖。那时我被陈凯歌的独特构思,张艺谋的惊世画面和赵季平苍凉凄楚的音乐所深深震撼。此片是赵季平第一部电影音乐作品,他就是在这时走进了我的视线。
  今天,作为我国影视音乐界获奖最多、奖次级别最高的音乐家,赵季平几乎是所有国内顶级导演最想合作的音乐家。摊开他的作品名单,宛如一部中国电影发展史,陈凯歌导演的《大阅兵》、《霸王别姬》、《风月》、《荆轲刺秦王》,张艺谋导演的大部分经典作品《菊豆》、《红高粱》、《大红灯笼高高挂》、《秋菊打官司》等一部部具有代表性的中国电影配乐均出自赵季平之手。除此之外,赵季平还为何平的《炮打双灯》、《日光峡谷》,何群的《烈火金刚》、孙周的《心香》、《漂亮妈妈》,吴天明的《变脸》,陈国兴的《孔繁森》、张元的《过年回家》、冯小刚的《一声叹息》、周晓文的《秦颂》,以及电视连续剧《水浒》、《乔家大院》、《大宅门》等担任音乐创作。
  记得六年前,刚创立的休斯顿明星艺术团首场演出曾邀我为其音乐会演奏大宅门音乐片断。整场演出,惟有这首作品获得的掌声最热烈、最持久。我想,观众不是为我的京胡演奏击节,而是被赵季平的旋律所征服、所倾倒。我记得演出结束后,总领馆的文化参赞夫妇特地找到我,兴奋地与我畅谈观后感。我很讶异这一小段音乐何以引起他们那么热烈的反应,交谈间,他们的一句话骤然间拨动了我的某根神经。参赞对我说:“一听你这段胡琴演奏,立刻让我们想到了家乡北京。”他夫人马上接着说:“是老北京!”
  是呵,老北京。多么遥远而又亲切的文化图腾……
  人们喜爱《大宅门》,之所以喜爱,不仅仅是它展现了扣动心灵的历史长卷,以及波澜壮阔的民族之歌;很多人更喜欢《大宅门》的那种民国北京的气息。地道的老京城风貌,浓烈的京腔京韵。都强烈地牵动着人们怀旧的思绪。这很大程度上要归功于赵季平的音乐。
  清末民初的社会音乐主体是戏曲音乐,而京剧音乐是戏曲界的主流音乐。作曲家在《大宅门》里,不但运用了京剧音乐,还运用了京剧锣鼓音乐,很多就是京剧曲牌和锣鼓点,听来十分亲切,很符合清末民初的社会气氛。剧中所有插曲和主题曲都是以京剧曲牌为主旋律的,这种运用更符合当时的社会气氛,许多精彩的场面,如七爷一出场配乐是“四击头”;白玉婷与照片拜天地时的配乐是“柳青娘”;七爷结婚的场面是“大开门”……不胜枚举。我们随处可听到撕边、四击头、急急风。《大宅门》里的是是非非、恩恩怨怨也正是在京剧音乐的烘托中,演绎的轰轰烈烈。当然对影视音乐创作积累了丰富经验的赵季平,并未简单地、一成不变地照搬京剧音乐 。我觉得他的最成功之处,就是将京胡,三弦,琵琶等个性色彩强烈的民族乐器,以及京剧曲牌里的音乐元素,与交响乐队的巧妙结合。如大宅门组曲《世家》、《思归》里的京胡;《门楼》里的三弦;《纸风车》里的梆笛。无不是神来之笔。
  无论是从《大宅门》音乐的演奏心得上,还是听众的反应中,我都强烈体验到这套组曲所别具的文化意义。如果你离开了电视画面去重新聆听它欣赏它,会有出乎意料、丰富得多的审美感受。老北京的迷人魅力,来自厚重的历史积淀,在赵季平用胡琴咿咿呀呀地推开历史的大宅门后面,我们不仅看到白家大院的家族画卷,还看到了更多的文化符号;那平实而又韵味十足的旋律折射出更深邃的历史意境——积淀着层层叠叠的史记、数不清的轶名传奇的京城胡同;青砖灰瓦、雕梁画栋的标志性民居建筑,老四合院;老北京庙会热闹的市井图象,拉洋片、吹糖人、捏面人、风车、风筝、糖葫芦、棉花糖;老艺人表演的天桥绝活儿、京剧、剪纸、微雕、脸谱、花轿。放眼望去,饽饽铺,馄饨摊儿,卖蜜麻花的,卖艾窝窝的,卖豌豆黄、驴打滚的;说相声的、变戏法的、抖空竹的、练轻功的、打弹丸的,跑马戏的、钻套圈的、走花会的……一幅京城地界儿的民俗百图,让您缅怀那逝去的时代,感受历史的沧桑。这京韵京味,如一坛陈年老酒,醇厚得令人迷醉,浓郁的令人心底为之震颤,温暖而耐人寻味……
  从那天起,我就生出了一个念头,有机会一定将这部作品完整地呈现在休斯顿的音乐舞台上。如今,在休斯顿中华民乐队建队一周年的首场民族音乐会(新年音乐会)上,这一愿望终于要实现了。作为这场音乐会的艺术总监,我将《大宅门》组曲作为重点作品推介给休斯顿的乐迷。休斯顿国剧社的琴师姚欣植及打击乐的乐师们热情加盟,并邀请了大家所熟悉和喜爱的歌唱家郭枫担纲主题歌的演唱。我希望和我一样对老北京情有独钟的国人,会在大宅门洞开的一瞬,也能领略那已逐渐迷失、风光不再、永远拾不回的如歌如梦如幻的家园。